Intérpretes:MyAnna Buring, Jaime Murray, Danny Dyer
Argumento:Londres sucumbe ante el apocalipsis zombie. Cole, un rudo mercenario, se embarca en la peligrosa misión de salvarse del virus que lo transformará en un no-muerto, para ello tendrá que encontrar a la única mujer inmune a la infección.
Intérpretes:Brien Moon, Carlos Lanchu, Allison Lange
Argumento: Unos amigos viajan hasta un caserón para pasar un fin de semana. Allí serán cazados por Alexander Tatum, un cirujano mercenario encargado de proveer personas para el estudio y extracción de órganos humanos por parte del Dr.Hopkins.
Argumento:Cinco amigos van de viaje a un concierto en avioneta. Sin embargo, lo que parecía un viaje de diversión se convierte en una lucha por la supervivencia, frente a los elementos y un enorme monstruo tentaculado surgido de la tormenta
Intérpretes: America Olivo, Christian Campbell, Joe Aniska
Argumento: Una joven misteriosa dedica todo su tiempo libre a invadir casas ajenas y someter a sus ocupantes a todo tipo de sádicas y dolorosas torturas.
Machete (Danny Trejo) es un policía federal de México que ha sido expulsado del cuerpo tras un chantaje que le ha hecho el capo Torrez (Steven Seagal). Sin terminar de gustarle, Machete se verá obligado a aceptar una oferta de un médico (Jeff Fahey) que planea asesinar a un senador corrupto llamado McLaughlin (Robert De Niro). Entre dos fuegos y mientras escapa, Machete recurirá a la ayuda de Luz (Michelle Rodriguez), especialista en los comentarios picantes, de Padre (Cheech Marin), su "santo" hermano, y de April (Lindsay Lohan) una chica de la alta sociedad con predilección por las armas. Al tiempo que desenmaraña toda la trama será perseguido por Sartana (Jessica Alba), una sexy agente de ICE.
Argumento:Un grupo de amigos recogen a una misteriosa chica en la cuneta. Con solo un acto de amabilidad acaban en la mesa, de una cena donde ellos son el plato principal
Con fuertes influencias francesas , una producción indonesia que seguro satisfará a los adictos a las paletadas de hemoglobina en pantalla. Sin tener que envidiar, en este aspecto, a clásicos del splatter como Brain Dead ó Baby Blood, la opera prima de los hermanos Mo (Kimo Stamboel, Timo Tjahjanto) no propone una historia novedosa, de hecho esta basada en un corto del 2007 de los propios directores, pero despacha en hora y media algunas escenas inolvidables por su exageración y crueldad. Eso sí, todas ellas basadas en películas occidentales. Además, y esto honra a los hermanos Mo, el hecho de dejarse llevar durante el metraje por su afición al slasher americano y el splatter europeo, no es ningún momento ocultado. Es más, podríamos considerar que puntualmente es potenciado. De forma destacada, en el tributo realizado continuamente a la obra de culto La Matanza de Texas. Especialmente a la segunda parte, co-protagonizada por el recientemente fallecido Dennis Hoper. No solo por la fuerte personalidad de la protagonista femenina, sino por el grado de locura que alcanzan los personajes al ser sometidos a una ultra-violencia harto realista.
Ladya (Julie Estelle) acompaña a su hermano Adjie y a su mujer embarazada, en un viaje hasta Yakarta. Allí, Adjie va a incorporarse a su nuevo puesto de trabajo en Australia. Acompañados por un grupo de buenos amigos, y aunque la tormentosa noche invita a la reflexión, ellos intentan pasar el viaje en furgoneta con el mejor humor posible
Entre bromas y tonterías, apunto están de atropellar a una joven que vagaba por la solitaria carretera. Apiadados por el desamparado aspecto de la joven bajo la torrencial lluvia se deciden a llevarla. Ella es Maya, la casa de su familia no está muy lejos y aunque no es muy habladora, parece inofensiva. El grupo de amigos llega a la casa y aceptan el agradecimiento de Maya, pasando a conocer a su familia al interior del caserón
Dara (Shareefa Daanish), la matriarca, es una mujer de campo seria, extrañamente joven pero amable. Quiere obsequiar a los salvadores de Maya, con una cena que el cansado grupo se ve incapaz de rechazar. Sentados a la mesa, junto a los otros dos misteriosos hijos de Dara, los invitados disfrutan de unos platos caseros preparados con la mejor carne de la región. El vino es fuerte y aromático, la compañía callada pero atenta. El cansancio de los comensales se va apoderando de ellos, después del largo viaje por carretera y uno a uno van cayendo en un profundo sueño. Por fin, ahora la cena está realmente servida.
Otra de las características destacadas de Macabre, aparte de representar el híbrido perfecto entre La matanza de Texas y À l’interiour, es la dosificación de la tensión así como de la casquería. Porque es en la última media hora de metraje, cuando toda la tensión explota y nos sumerge en un baño de sangre, homenaje al teatro exagerado del Grand Guignol. No es que la primera hora inicial carezca de elementos inquietantes ó desagradables. Sencillamente, la profusión final de sangre y vísceras empalidece al resto. Quizá descompensando y restándole seriedad a una primera parte donde se hace hincapié en el suspense y la intuida depravación de la familia. Aquellos que se acerquen a Macabre con la única intención de empacharse de sangre, deberán de ser pacientes puesto que finalmente tendrán lo que buscan. Tampoco hay que hacer a esta producción una mera portadora del clásico estandarte gore de “sacrifiquemos todo en pro de las atrocidades”; sin embargo, los hermanos Mo han buscado epatar más que indagar en el misterio que rodea a Dara y a su familia.
* Título original: 5150, Rue des Ormes * Nacionalidad: Canadá | Año: 2009 * Director: Éric Tessier * Guión: Patrick Senécal * Intérpretes: Marc-André Grondin, Normand D’Amour, Sonia Vachon, Mylène St-Sauveur * Argumento: Yannick se convierte en el prisionero de un vecino de su nuevo barrio cuando ve que éste tiene a un hombre moribundo encerrado en su casa.
Yannick Bérubé , es un joven recién llegado a la ciudad para estudiar un curso de cine en la universidad. Apenas sí se instala en su apartamento cuando coge su videocámara y su bicicleta y se dispone a dar una vuelta por el barrio para conocerlo y grabar las primeras imágenes. Llega hasta el final de una calle, que acaba en una cloaca –curiosamente, David, el narrador protagonista de “La Chica de Al Lado”, también hace mención a que la calle de su barrio donde vive y donde suceden los terribles acontecimientos que cuenta la novela, no tiene salida. Graba el agua putrida y, cuando va a largarse, tiene un pequeño accidente con la bicicleta.
¿Quién no se acercaría a un adosado a pedir ayuda? Realmente, las viviendas unifamiliares tienen una extraña apariencia de seguridad y confort. En su interior, no puede vivir nadie malvado. Y, efectivamente, el señor Jacques Beaulieu le ofrece llamar por teléfono al instante. Yannick, mientras espera a que el hombre haga la llamada, descubre que tiene una herida en el codo, así que, sin permiso, entra en la vivienda a limpiársela… …y escucha unos gritos pidiendo ayuda provinientes de la planta superior. Sube, y descubre a un hombre moribundo en una habitación.
Yannick se convierte, a partir de ese momento, en el prisionero de los Beaulieu, custodiado por Jacques, el cabeza de familia; Maude , la madre; Michelle , la hija adolescente; y Anne , la niña pequeña. Encerrado en la habitación de la primera planta, no sabe qué van a hacer con él, aunque ha visto cómo su lugar lo ocupaba antes un hombre malherido…
Los paralelismos, por tanto, con “La Chica de al Lado” son más que evidentes. Y pronto aumentan: la retorcida visión de la realidad de Jacques, el padre de familia, es la que tiene preso y arrastra a todos los demás habitantes de la casa, sean o no de la familia. Sin embargo, si bien la concepción es similar, “5150 Elm’s Way” se desmarca casi desde el primer momento de cualquier cosa que pudiera considerarse torture porn o, siquiera, violencia explícita, centrándose en el reverso psicológico de cualquier proceso de cautiverio. Esta es la espina dorsal de la película y uno de sus puntos fuertes. Realmente, el llamado “síndrome de Estocolmo” es fácil de creer pero difícil de imaginar. Es inevitable, por una cuestión de pura supervivencia, en una situación con un secuestro desarrollar una cierta afinidad con el secuestrador, desde el momento en que se convierte en la única otra persona que uno tiene para relacionarse con el resto de mundo; de hecho, esa otra única persona se convierte en el resto del mundo. Ahora, cómo se lleva a cabo ese proceso, esa identificación, no soy capaz de imaginarlo por mí mismo. En “5150 Elm’s Way” se presenta una manera de que esto suceda, y con bastante buen criterio, creíble. Y proporciona una información potente para entenderla: el prisionero pasa de sentirse una mierda, alguien que es algo así como un muñeco desestresante tamaño XXL, a descubrir que tiene un hueco en esa extraña formación familiar, y eso le da un estímulo para seguir adelante.
Puestos a poner pegas a esta película, señalar que hay algo en el tramo final de la misma que no está bien encajado. No sé de qué manera se hubiera podido solventar el asunto, y hay que decir, también, que durante el visionado apenas sí se levantan sospechas sobre el tema, y se deja pasar sin demasiado esfuerzo aunque, ya se sabe, cuando la base no es lo suficientemente sólida, el significado de lo que sucede se divide por dos.
Intérpretes:Dieter Laser, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie
Argumento:Dos jóvenes norteamericanas caen en manos del el Dr. Heiter, cirujano experto en separar gemelos siameses, que tiene unos planes muy especiales para las chicas: serán parte de un ciempiés humano.
The Human Centipede puede resultar más perturbadora de lo que a priori prometía. Por una parte tenemos una idea innovadora y muy muy atrevida, y por otra parte contamos con nuestra imaginación.
The Human Centipede arranca de una forma magnífica, nos presenta a uno de los “mad doctor” más desquiciados del cine y una situación vista mil veces que hace que se masque la tragedia. La idea de proponer a un cirujano alemán, experto en la separación de siameses, como el nuevo icono del psicocitismo y a dos desvalidas turistas americanas de viaje por Europa como las víctimas perfectas, me parece algo muy trillado, pero funciona, ¡vaya si funciona! Se parte de una idea básica en el género, pero se transforma en algo original, morboso y efectivo.
La escatológica idea central es ver cómo se “fabrica” un ciempiés humano o un triple siamés, cómo demonios sobrevivirá esta “criatura” humana y sobre todo, cómo afrontan los integrantes de ese triplete su nuevo destino. Pues es en esta parte donde radica el éxito de The Human Centipede, en que, pese a lo que podíamos pensar inicialmente, no hay escenas desagradables, ni gore, por lo que todo queda a merced de nuestra imaginación, y os aseguro, que durante toda la película no dejas de imaginar, de darle vueltas, de revolverte tú mismo, y eso, a mi juicio es lo que convierte a una pequeña película en un clásico moderno, una obra que con el tiempo será juzgada de culto.
* Título original: Meadowoods * Nacionalidad: USA | Año: 2010 * Director: Scott Phillips * Guión: Stuart Ball, Scott Phillips * Intérpretes: Connor Thorp, Michelle Roe, Michael Downey * Argumento: Tres jóvenes americanos sin futuro deciden construirse el suyo propio y asegurase que nadie se olvide de ellos.
“Una generación que no soporta el aburrimiento será una generación de escaso valor”, yo añadiría, “y peligrosa”. Y mayormente con una psicótica falta de ideales y con un nulo conocimiento de lo que significa la palabra ‘moral‘. Me recuerda un poco, la situación de los adolescentes en la mayoría del mundo (no solo en EEUU), a la época moderadamente nihilista de la época Grunge. Subió la tasa de suicidios, Seattle se convirtió en un vertedero de yonkos, todo te importaba un carajo…la diferencia es que ahora los chavales quieren ser recordados de alguna manera, demostrar de forma totalmente egocéntrica que ellos han echo algo importante, malo o bueno, lo que menos cueste. Y si hay que matar a alguien para hacerlo pués se hace, así sales en la tele, si te pillan, y si no te partes el eje cuando ves a la policía dando vueltas a un vertedero. Con un director novel y un grupo de actores que debuta en esta película, sus intenciones y resultado consiguen superar con creces las dudas lógicas (rodaje cámara en mano, flashbacks constantes y el miedo de encontrarnos con otro proyecto fallido de retratar la juventud actual), aunqué no evita ciertos fallos más propios de la posible ingenuidad de los responsables que de alguien con una cierta experiencia.
Travis, un psicópata de manual, Steph, la chica que hace lo que le dicen, y Ryan, el cámara que-no-está-muy-seguro-de-lo-que-van-a-hacer) son tres amigos que se aburren horrores en el aletargado pueblo de MEADOWOODS (curioso que apenas vemos imágenes del pueblo en si), y no está dispuestos a pasar el resto de su vida como 3 adolescentes más en la maréa de medianías y seres anónimos que pululan por su ciudad; y sobre todo, no quieren que la gente se olvide de ellos, quieren pasar a la historia. Entre cerveza y cerveza, peta y peta, se les ocurre la idea de que la única forma que tienen de conseguirlo es haciendo algo tan terrible que nadie nunca les olvide. El plan se divide en 3 partes, siempre orquestado por Travis,: 1º conseguir a la víctima adecuada, 2º encontrar un lugar en el que nadie les vea y sea de muy difícil acceso y 3º idear una forma muy cruel de acabar con esa persona. Lo primero que consiguen es el lugar, una zona en mitad del bosque a la que no va nadie nunca. Encontrar la persona adecuada va a ser más difícil, y en una de las partes más desasosegantes vemos como se dedican a hacer fotos y vigilar a la gente como si de lo más normal del mundo se tratara, descartan unas, se piensan otras (como quien elige en un menú) y al final encuentran a la persona perfecta: Kayla (Ila Schactler en un debut fantástico), una chica muy hogareña que toca la guitarra. La forma….pués lo más cruel posible, secuestrándola, encerrarla en una caja bajo tierra con cámaras y sonido para poder torturarla psicológicamente y un tubo de respiración para jugar con ella hasta que se muera. Luego, por supuesto, mándarle la cinta a los padres. Pero Ryan ha sido el encargado de engañarla con una supuesta entrevista falsa, y al conocer a la persona se le aparecen dudas sobre si está haciendo lo correcto. Esta circunstancia hace que la última media hora cobre un ritmo inusitado y con un desenlace muy, pero que muy abierto a distintas interpretaciones.
Sin duda una experiencia única, que, si no fuera por la Banda Sonora y ciertos detalles del montaje, podría ser equiparable a la terrorifica y tal vez inspiración de esta: FUNNY GAMES. Refleja de forma muy acertada la apatía descarnada de los adolescentes de la última generción, especialmente de los que no tienen medios, ni incentivos para intentar llevar una vida normal. Hay escenas tan creíbles que se te ralentiza el pulso y te sientes como si estuvieras viendo una snuff movie.
Intérpretes:Clare Grant, Jillian Murray, Bill Moseley
Argumento:Las hermanas Graves se encuentran en medio de ninguna parte, concretamente en Skul City. Se han perdido de camino a la gran ciudad, ¿y qué mejor entretenimiento en pleno desierto de Arizona, qué visitar una mina encantada?
Megan y Abby Graves son dos hermanas huérfanas e inseparables que gastan su tiempo entre comics, garitos de mala muerte y mucha cultura basura. Megan, la hermana dura y atractiva, ha recibido una oferta de trabajo irrechazable en Nueva York; algo que probablemente obligue a las hermanas a separarse. Pero antes de que tan aciago momento llegue, deciden emprender un viaje por Arizona. Abby, la hermana sensible y atractiva, no las tiene todas consigo cuando llegan por accidente a Skull City; un pueblo minero de mala muerte donde todos sus habitantes parecen un poco extraños. Sin embargo, su viaje era una excusa para un fin de semana de aventuras, ¿y qué mejor aventura que visitar una mina abandonada supuestamente encantada? Pero las descaradas jovencitas deberían haber aprendido más de todos los comics y películas de serie B que han consumido. En una mina abandonada y encantada, un par de chicas guapas solo pueden encontrar una cosa: muerte y terror Brian Pulido, escritor y director de esta cinta, se demuestra con bastante poca experiencia en todos los aspectos técnicos y orgánicos. El guión es demasiado simple, apenas un esbozo, y cuando ya no tiene por donde salir, introduce una secta, adoradora de lo que demonios habite en la famosa mina abandonada, para justificar la última mitad de la película. Podríamos decir que las hermanas Graves encuentran en la mina un remedo de la familia de Leatherface con pinceladas sobrenaturales sobre sus cabezas. La influencia principal en el apartado sobrenatural, a mi modo de ver, sería Desesperación de la factoría Stephen King. Es obvio que Brian Pulido ha leído mucho comic y visto mucho terror de la vieja escuela, pero… ¿era necesario seguir punto por punto todos los cánones del género? Las chicas lanzadas y sexys, los pueblerinos chiflados, la posesión por un mal ancestral diseñado con CGI, las persecuciones a pie dando vueltas al mismo edificio….En fin, entramos en la misma dinámica. Si no te molestas en pulir un guión, cuando menos elige buenos actores, diseña buenos escenarios, imprime energía en las escenas… no sé, ¡haz algo! Parece que Pulido estuviese en la silla de director con el “six-pack” en mano y la cámara rodando, riendo las gracias a los actores y mirando el culo a las protagonistas. La verdad que uno se podía esperar más de el creador de Evil Ernie y Lady Death, unos comics entre lo gótico, la comedia y el gore que no han tenido mucha difusión en España. Con tantos años de experiencia su guión me parece mediocre; y es que solo con el nombre, no se realiza una película. Al menos una buena. Mención especial a la pareja protagonista: Jillian Murray (A la que pudimos ver en la prescindible Forget me not) y Clare Grant (Recién casada con Seth Green, sí, el que hace de Scott Maligno en la saga de Austin Powers. Con mucha envidia, te deseamos lo mejor desde Almas Rosas, digo…Oscuras) Estas entrañables mujeres que interpretan a las hermanas Graves, acaparando un 80% de las escenas, bordan la inapetencia y la desgana con sus actuaciones. Vale que no se puede hacer mucho cuando tu guión hace aguas y solo te ofrece diálogos mediocres y estereotipados; pero chicas…cuando os ruedan en un garito con los Calabrese (grupo de horropunk que son de lo mejor en la película aunque no le llegan ni a la suela de los zapatos a The Misfits) ponéis todas las ganas del mundo, ¿pero cuando las cámaras os enfocan en el desierto? Ya no están en su salsa las pobres. Ni siquiera los citados iconos del fantástico consiguen levantar un poquito el desarrollo de un proyecto destinado, al parecer, al sector más “emo” de la juventud estadounidense. Estos iconos son ni más ni menos que Bil Moseley y Tony Todd (psicópata a secas y cura sectario psicópata, respectivamente), los cuales no necesitan mucha presentación. Sin embargo, y en contra de todo lo que dice su bagaje como actores, aquí están totalmente sobreactuados y sometidos, quiero creer, a una dirección artística “de comic”. Estas sobreactuaciones, en el caso de Tony Todd, hacen a The Graves insoportable en sus apariciones. Sus personajes son planos y los veo fuera de cualquier contexto, meras excusas para llevar la aventura de las hermanas Graves a su final. Si a todo esto , le añadimos unos efectos especiales que mejor ahorrárselos, una edición deficiente, un ritmo anodino y un final digno de otro tebeo (pero de Zipi y Zape), donde las heridas mortales no son más que rasguños para aguerridas treintañeras…¿qué tenemos? Un desatino que no recomendaría a nadie de cultura castellana ó latina. Simplemente evitable, estáis avisado, puede sacar lo peor de vosotros. Vale, el cine es una cuestión de gustos y puede haber gente que disfrute con esta producción, pero su banalidad está a la altura de sus múltiples defectos. Cojea por todas las patas este perro. Mucho tiene que mejorar Brian Pulido en su próximo proyecto para que, si quiera, me moleste en verlo. Por cierto, ¿os he dicho que ese próximo proyecto esta en pre-producción y se llama The Graves 2? …
Intérpretes: Cheryl Lyone, Peter Tahoe, Peter Tahoe
Argumento:Dos jovencitas católicas venden biblias a lo largo y ancho de la América profunda. No tardarán mucho tiempo en llamar a la puerta equivocada.
Dos guapas jovencitas de blusa blanca, minifalda plisada de cuadros escoceses y medias hasta las rodillas (fetiche de padre y muy señor mio), viajan por la america profunda arrastrando un carrito repleto de biblias y recaudando donativos para las monjas del orfanato en el que se han criado.
Es tan sólo cuestión de tiempo que llamen a la puerta equivocada…
Atentos al siguiente listado: masturbación, sexo lésbico, felaciones, putas, bailarinas de streaptease, drogas, culos y tetas, muchas tetas (dos por chica). Si no me equivoco, una anciana poco hospitalaria es la única integrante del elenco femenino que no se apunta al “destete” generalizado ofrecido por Run! Bitch Run!.
Pero que nadie se excite más de lo estrictamente necesario. Pese a que el sexo es uno de los ingredientes fundamentales de este homenaje al rape&revenge setentero, al sexploit y al grindhouse.
La fotografía sucia y polvorienta, la tendencia jovial al sexploit, la violencia, la acertadísima selección musical… todo, absolutamente todo en Run! Bitch Run! nos transmite una sensación veraz de estar ante una auténtica muestra del Rape&Revenge setentero, y no ante un mero homenaje filmado 40 años más tarde. Pero si el acercamiento formal de Run! Bitch Run! al rape&revenge de los 70 tan sólo puede catalogarse de acertadísimo, no puede decirse lo mismo de su contenido y su desarrollo. El rape&revenge tiene dos componentes fundamentales: el sexo y la violencia. De sexo Run! Bitch Run! anda muy bien servida (aunque siempre teniendo en cuenta lo dicho al principio: no deja de ser una película norteamericana).Run Bitch Run nos sumerge en un universo hostil y feista poblado por putas, prostitutas, colegialas, monjas, enfermeras.
Intérpretes:Betsy Beutler, Matthew Davis, Julianna Robinson
Argumento:Cuatro amigos prueban a mezclar cerveza contaminada con helado para pasar el rato, gracias a lo cual aprenden que, en esta vida, ser un muerto viviente es más interesante que ser un don nadie
Una comedia urbana, zombies, película independiente… ¿Estamos ante la enésima comedia zombie nacida a la sombra de Shaun of the dead”?
Wasting Away es una excepción en este mar de películas planas sobre muertos vivientes, puede que el mensaje no llegue alto y claro debido a pequeños fallos que os iré desgranando; pero yo sentí un claro tributo a “los raros”, “los diferentes”, “los inadaptados” en la opera prima de Matthew Kohnen. Y usando al manido muerto viviente como elemento referencial, algo que es digno de alabar. En Wasting Away los protagonistas, convertidos en cadáveres andantes, son los raros del pueblo que solo buscan desesperados un hogar, un objetivo que de sentido a su no-vida. Una misión loable que nosotros, como miembros de la citada sociedad del bienestar, hemos olvidado. Por si fuera poco, la transmisión de este mensaje se aborda desde la perspectiva del propio zombie, nos metemos en sus cabezas agusanadas para compartir su periplo con voluntad y buen humor.
Que yo sepa está es la primera vez que se narra, en el séptimo arte, una historia de muertos vivientes contada íntegramente desde el otro lado; el lado de la carne podrida y los miembros cangrenados. Es cierto que existen algunos intentos de una aproximación humanizada al fenómeno zombie, a bote pronto me vienen a la cabeza una acertada “zombedy” como Fido ó la prescindible Mortal Zombie (Return of the living death 3); sin embargo una película con tantas ganas de meternos en un juego donde los zombies son los protagonistas y destinatarios de nuestro afecto, frente a unos seres humanos, cuando menos, anodinos…pues la verdad que nunca la había visto.
Los zombies piensan que los que les rodean están infectados, y por eso se mueven tan rapido, a la vez que ellos se contemplan como siempre, intentando seguir con sus amoríos, sus entrevistas de trabajo y su afición por la cerveza. Ellos pueden estar bailando de alegría a todo color por una victoria en una partida a los bolos pero la verdad es que sus movimientos espasmódicos y grisáceos solo generan asco y temor en los rostros de los vivos.
Si obviamos todos esos fallos de principiante, la aliteración excesiva, el ritmo desigual, las actuaciones esforzadas pero sencillas (a excepción de una preciosa Vanessa interpretada por Julianna Robinson, pero creo que aquí hablan mis gustos sobre mujeres) y el humor infantil que toma lo peor de la famosa serie de TV Friends, tenemos un producto que pega una bofetada en las narices a todos aquellos que argumentábamos que la figura del zombie no da más de sí en los tiempos que vivimos y dinamita la opinión, generalizada dentro del cine de terror, acerca de que los muertos vivientes solo sirven para entretener un rato y gracias. ¡No! Aun queda mucho que pensar y sentir cuando en nuestro televisor una mano surja de la tumba exigiendo su lugar en nuestro imaginario. De momento yo me he quedado pensativo, preguntandome ¿quien está más vivo? ¿Nosotros recostados en nuestros sofás impávidos ante las injusticias que nos rodean ó ellos, qué juntos avanzan hacia delante aferrándose a la vida con garras y dientes…?
Intérpretes: Anna Brewster, Geoff Bell, Daniel Caltagirone
Argumento:Tres parejas se van de excursión por las marismas y les pasa lo que les tiene que pasar.
The Reeds arranca con un asesinato a sangre fría que te sorprende, así de entrada, y luego pasa a presentarnos a 2 parejas de hooligans ingleses, y sus novias, y otra pareja “arreflada” para la situación; él es menos capullo y más fumeta y ella tiene más carácter que el resto juntos. El plan es el siguiente: alquilar un bote y pasar el día haciendo botellon en una marisma enorme llena de juncos (de ahí lo de Reeds) de camino a una especie de casa rural donde van a pasar el fin de semana.
Cuando llegan a por el bote se encuentran con que el desagradable encargado les ha dado su reserva a otra gente, así, por todo el morro, y les ofrece uno un poco más pequeño, el Corsair Star, pero en buenas condiciones. El grupo acepta y cuando van a recogerlo se encuentran con una pandilla de canis con pintas muuuy chungas que no les dejan subir al barco. Para evitar posibles spoilers sólo diré que una de las chicas les “convence” para largarse.
Al principio todo va como la seda, salvo algún roce entre el fumeta tranquilo y los hooligans cerveceros, hasta que, Oh, sorpresa!!!, se pierden y se hace de noche. pronto comienzan a ver sombras sospechosas, reflejos imposibles, a los macarras que parece que les están siguiendo y, de buenas a primeras, fantasmas de ellos mismos. Le sumamos un accidente pelín ridículo (una pregunta. que posibilidades tiene alguien de sobrevivir con una barra de hierro del tamaño de un bate de beisbol que le atraviesa la espalda??, al parecer mucho) y ya tenemos el meollo planteado.
Al director se le juntan demasiadas ideas: que si fantasmas, crios que aparecen y desaparecen, un psicópata suelto, giros temporales, acción…y no es capaz de darles la más mínima cohesión. Si os soy del todo sincero esta no la recomiendo ni para pasar el rato, ni siquiera para ocupar espacio en el disco duro.
TÍTULO: Terminator Salvation ESTRENO: 05/06/2009 NACIONALIDAD: USA
Terminator Salvation: The Future Begins nos llevará al año 2018. John Connor (Bale) ha sido el elegido para liberar la lucha de los humanos contra las máquinas. Sin embargo, el futuro que estaba previsto para Connor es modificado cuando aparece en escena Marcus Wright, un extraño cuyo último recuerdo es estar en el corredor de la muerte.
Ambos deberán unir sus fuerzas para realizar un último ataque a Skynet que les llevará al corazón del centro de operaciones del cerebro de las máquinas mientras Skynet prepara su ataque definitivo.
"Terminator Salvation" se estrenará el 5 de Junio de 2009. Dirigida por McG, es la cuarta película de la franquicia Terminator. Está protagonizada por Christian Bale que es John Connor, Sam Worthington como el nuevo Terminator Marcus Wright, Anton Yelchin que es Kyle Reese y Bryce Dallas Howard que es Kate Connor. La película, establecida en 2018, se centra en la guerra entre la humanidad y la red informática Terminator, Skynet, y abandona la fórmula de la serie Arnold Schwarzenegger como el Modelo 101 Terminator que viaja al presente para proteger o matar a alguien de importancia en el futuro. Entre los numerosos siervos robóticos de Skynet están Helena Bonham Carter como Serena y Roland Kickinger como el primer T-800. La filmación comenzó el 5 de mayo de 2008. El 23 de mayo de 2008, Warner Bros hizo público el siguiente resumen de la trama de la película. La sinopsis se modificó el 11 de junio de 2008: Situado en el post-apocalíptico 2018, John Connor (Christian Bale), el hombre destinado a ser el líder de la resistencia humana contra Skynet y su ejército de Terminators, el futuro es alterado en parte por la aparición de Marcus Wright (Sam Worthington), un extraño cuya última memoria es estar en el corredor de la muerte. Connor debe decidir si Marcus ha sido enviado desde el futuro, o rescatados del pasado. Como Skynet prepara su ataque final, Connor y Marcus deben embarcarse en una odisea que los lleva en el corazón de las operaciones de Skynet, donde encuentran un terrible secreto que puede dar lugar a la posible aniquilación de la humanidad.
TÍTULO: Martyrs TÍTULO ORIGINAL: Martyrs DIRECTOR: Pascal Laugier
Francia. Una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero...¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar? Ambulancias en la puerta de los pases. Vómitos, mareos y desmayos en la platea. Ni el argumento, ni los actores, ni siquiera el director, que hizo un film pasable llamado El internado y que pasó realmente desapercibido, son la base publicitaria de Martyrs. Su carta de presentación es la sensación que produce en la gente que entra en la sala, en sus pensamientos y en sus conclusiones. Y, en cierta manera, es lo mejor que podrían hacer.Entrar en el juego que te propone Martyrs es un acto de fe y confianza, gesto que se debe acometer sabiendo solo lo justo y necesario: una niña maltratada brutalmente que, 15 años después, decide vengarse de la pareja que le hizo eso. Nada más. Todo lo siguiente, las terroríficas consecuencias de ese acto de violencia, deben venir de la inocencia, de la falsa expectación.En ese sentido, Martyrs son dos o tres películas juntas, dilatadas en un montaje largo, pesado y abultado. Las dos protagonistas comienzan en un film violento, que pasa por todas las fases de terror psicológico, físico y torturante que caben en sus dilatados 97 minutos. El buen gusto (es un decir) del director nos lleva por un horrible camino de espinas y juega con el espectador a la identificación del punto de cámara. ¿Con quién nos estamos identificando, con ellas o con los otros?El guión, que es la némesis de cualquier profesor norteamericano de cine, confunde al inocente espectador sin dejar camino alguno a la especulación. Hay tópicos, y hay giros, pero está todo puesto con tal mala fé que solo en Europa se podría haber dirigido. Es un caso claro de remake no realizable, por el mero hecho de que en Hollywood no se atreverían con algo de este calibre, tan poco comercial y tan poco, dada su conservadora ideología, moral.Si a todo esto le sumamos las interpretaciones del elenco protagonista que, aunque no son excelentes, transmiten con facilidad la angustia de la situación, nos queda un producto que no es producto, una cinta de terror transgresora, hecha para provocar y polemizar, una auténtica experiencia de pesadilla.Que nadie piense que va a ver algo parecido a la (excelentísima) À l’interieur. Aquí el gore no abunda, aquí lo que abunda es, hablando en plata, el mal rollo. Cuando uno sale de la sala sabe que las ambulancias, los vómitos y los desmayos son una parte más del merchandising y las ganas de hacer hablar. Pero lo que sí queda es esa espina, esa sensación de lo que acabas de ver es, verdaderamente, algo diferente, aunque en realidad no termine de serlo. E aquí la gran ambigüedad de Martyrs: nadie debería recomendarla a nadie. Pero todos debéis ir a verla. En vuestras manos queda todo
TÍTULO: Déjame Entrar TÍTULO ORIGINAL: Lat den ratte komma in DIRECTOR: Tomas Alfredson ESTRENO: 17/04/2009 NACIONALIDAD: Suecia
Aterrorizado por un grupo de matones, Oskar es un chico solitario de 12 años se hará amigo de una nueva vecina: una misteriosa chica cuya llegada ha coincidido con una serie de misteriosas muertes y asesinatos. A pesar de que Oskar piensa que ella es un vampiro, tratará de que su amistad sea mayor que su miedo. Los vampiros y el cine, amigos y enemigos desde aquel espeluznante Nosferatu que nos dejó Murnau para la memoria cinematográfica. Después de tantos años hemos tenido mil versiones de Drácula, rebeldes chupasangres ochenteros y hasta sofisticados vampiros góticos. En un subgénero donde reina más la mediocridad y la prostitución del mito que otros factores el desconocido Tomas Alfredson firma una de los films más bellos, terroríficos y redondos que el fantástico nos ha podido dar en los últimos años.
Su principal apoyo reside en la gran sinceridad del punto de vista, el de un niño maltratado en la escuela y familia desestructurada que ve el mundo con unos ojos inocentes, pero no estúpidos. La relación que entabla con su vecina, una vampiresa con más alma que ninguno de los adultos que los rodean, es de una sinceridad, ternura y romanticismo tan potente que por momentos nos olvidamos de que hace 2 minutos un hombre ha sido degollado colgado de los pies. Esa capacidad de sintetizar el drama, el amor y el terror sin que prácticamente se note deja en pañales a otros títulos que, supuestamente, mezclan géneros en cócteles de manera “inteligente” (y no, que a alguien le corten el brazo y suene una canción divertida, no es inteligente).
El trabajo de Alfredson, en todos y cada uno de los campos, es excelente. Su manera de dirigir a los niños es cercano a la realidad, con unas reacciones y unos comportamientos que van desde la maldad más absoluta (más estremecedoras que los ataques de la niña) a la más preciosa ternura. Se nota que es un director con experiencia y que trabaja cada una de las escenas con mucho cuidado. Atención al plano de la cama del hospital o a la secuencia de la piscina, lecciones magistrales de cómo la simplicidad y la estática pueden ser más impactantes que una cámara nerviosa e inquieta.
Estamos ante una cinta única en su género, un caramelo amargo que es capaz de hacer reír, luego llorar y hasta finalmente hacer que el espectador abra los ojos como platos. ¿Estamos ante una de las mejores películas de vampiros jamás hecha? Dudoso, sólo el tiempo lo dirá. Lo único que es seguro es que Let the right one in es capaz de crear una bella historia de amor, de incomprensión y de fuerza sin alejarse en ningún momento del tema ni el género fantástico. Cuando una escena es capaz de ponerte los pelos de punta de emoción y al mismo tiempo de terror, es que algo bueno hay detrás. Que juzgue aquel que se quiera dejar atrapar y que, si es el correcto, le dejen entrar.
TÍTULO: El Diario de los Muertos TÍTULO ORIGINAL: Diary of the Dead DIRECTOR: George A. Romero REPARTO: George Buza, Joshua Cole, Joe Dinicol, Shawn Roberts, Tatiana Maslany ESTRENO: 17/04/2009
Con El Diario de los Muertos, el rey del terror vuelve al estilo de dirección del que fue pionero y al género que inventó. En su primera película independiente de zombis en veinte años, George A. Romero nos devuelve a la zona cero en la historia de los muertos vivientes.
Jason Creed y un pequeño equipo de una escuela de cine se encuentran en los bosques de Pensilvania realizando sin financiacion una película de terror. Es entonces cuando se dan cuenta de que la muerte ha empezado a recobrar vida.
Conducidos por la novia de Jason, Debra, los aterrados jóvenes realizadores se van a la ciudad de Winnebago para intentar volver al único lugar seguro que conocen: sus hogares.
Pero no hay escapatoria para la crisis, ya no queda ningún hogar real para ellos. Todo de lo que dependen, todo lo que quieren, se ha quebrado por una plaga de muertos vivientes que comienza a extenderse El género de terror ha llegado a un punto de estacamiento y de ver una y otra vez lo mismo, que los directores habituales del género buscan nuevas formas y técnicas narrativas para asustar al espectador. Este año, las películas a modo de falso-documental y rodadas con cámara al hombro se han puesto de moda. [REC], Cloverfield y Diary of the Dead son una muestra de ello.
Tras la irregular Land of the Dead George Romero ha decidido desvincularse temporalmente de sus cuatro anteriores entregas zombis, para abordar desde el punto de vista de unos estudiantes de cine el ataque de los muertos vivientes. En Diary of the Dead, un grupo de jovenes que ruedan una película amateur se convierten en documentalistas de lo que ocurre desde que se encuentran con el primer grupo de zombis.
Hoy día cualquier persona puede publicar contenidos, algunos ciertos y otros falsos, en Internet gracias a comunidades como Youtube o MySpace. La información que está presente en la red se escapa del control y veto político a las que están sometidas las televisiones y radios. Sin embargo, esto es un arma de doble filo, ya que tampoco la información disponible en Internet tiene por qué ser cierta. Romero es sabeedor de ello. Si cuando rodó La Noche de los Muertos Vivientes, las malas lenguas veian similitudes entre los muertos vivientes y los comunistas; en Diary of the Dead, los zombis serían las personas manipuladas por los distintos medios de comunicación.
La mala leche está presente en cada fotograma de la película. Romero no se anda con chiquitas y celebra su vuelta al cine independiente con gore de calidad, momentos hilirantes y la que es su mejor película de muertos vivientes desde Dawn of the Dead. Eso sí, Diary of the Dead en ningún momento te lo hace pasar mal. Es pura diversión y entretenimiento. Una obra propia de un director con identidad propia y que todavía tiene mucho cine (y vísceras) que enseñar. Una película imprescindible para cualquier aficionado al género zombi y al cine de terror en general.
Reparto : Clint Eastwood, Brian Haley, Geraldine Hughes, Brian Howe, John Carroll Lynch, William Hill, Joan Cusack, John Goodman, Kristin Scott Thomas, John Lithgow
Director :Clint Eastwood
Duración :01:56:00
Estreno : viernes 6 marzo 2009
Clint Eastwood dirige y protagoniza el drama "Gran Torino", que marca su primer papel cinematográfico desde su película ganadora de un Oscar, "Million Dollar Baby". Eastwood interpreta a Walt Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea inflexible y con una voluntad de hierro que vive en un mundo en perpetua evolución, que se ve obligado por sus vecinos inmigrantes a enfrentarse a sus antiguos prejuicios.
"Gran Torino" es el nuevo proyecto de Clint Eastwood, donde el gran maestro del cine nos vuelve a dar muestras de su enorme calidad no sólo como actor, sino como director. Después de "El intercambio", llega "Gran Torino", donde por fin podemos verles (no lo hacíamos desde 2004), delante de la cámara. La película narra la historia de un veterano de la guerra de Corea llamado Walt Kawolski, que después de la muerte de su mujer vive aislado del resto de su familia y rodeado por una comunidad de vecinos, mayoritariamente de origen oriental, con quienes se lleva bastante mal. Y es que Kawolski es un tipo bastante racista que no soporta vivir rodeado de chinos y sudamericanos. Una noche, un grupo de jóvenes, entre los que se encuentra por obligación el hijo de los Walt, intenta robarle su preciado tesoro, un Gran Torino. La familia oriental le comenta a Walt que su hijo debe recompensar tal fechoría trabajando para él de forma gratuita, y al final surgirá entre ellos una bonita relación. El cineasta también se atreve con la composición, incluso canta uno de los temas. El final del film es sorprendente, atípico, y la forma de tratar el racismo, muy correcta y esperanzadora (nunca es tarde para cambiar), acompañado de toques humorísticos que la hacen muy amena. Eastwood sigue siendo un buen actor, aunque su personaje amargado nos recuerda un poco al que ya hizo en "Million Dollar Baby".
THE BROKEN (2008) TÍTULO: The Broken TÍTULO ORIGINAL: The Broken DIRECTOR: Sean Ellis REPARTO: Lena Headey,Richard Jenkins,Asier Newman,Michelle Duncan,Melvil Poupaud,Ulrich Thomsen,Natasha Alderslade,Elle Crocker ESTRENO: 27/02/2009 NACIONALIDAD: Francia / UK Duración 01:28:00
Gina McVey, joven radióloga de un importante hospital londinense, acude a la celebración del cumpleaños de su padre, John. Entre los invitados se encuentra su novio Stefan, su hermano Daniel y la novia de este, Kate. Durante la cena, mientras charlan animadamente, un gran espejo de pared se hace añicos sin motivo aparente provocando entre los asistentes el brote de una tensión inexistente hasta ese momento.Al día siguiente, de camino a casa, Gina cree ver en la calle a una mujer que guarda un asombroso parecido con ella. Sobrecogida, decide seguirla hasta su apartamento, donde, al encontrar la puerta abierta, descubrirá horrorizada una fotografía de su padre con esa otra mujer, un doble perfecto de si misma. A partir de ese momento, la paranoia se apodera de ella y comenzará a dudar incluso de sus propios allegados. El director alemán Werner Herzog afirmó en una entrevista que nunca se mira en el espejo, pues no sabe lo que puede encontrar. Esta enseñanza le va al dedillo a la protagonista de The Broken, una mujer que cree tener una doble y que tras sufrir un accidente de coche comienza a dudar de sus propios allegados. Preciosamente fotografiada, la nueva película de Sean Ellis supone una inyección directa de adrenalina, con guiño incluido a la escena más famosa de Hitchcock (dejaré que imaginen cuál). Hagan caso a Herzog, porque si el espejo se rompe les puede pasar algo mucho peor que siete años de desgracia
Jared Padalecki, Danielle Panabaker, Trevis Van Winkle, Derek Mears, Aaron Yoo
Director
Marcus Nispel
Productor
Michael Bay, Andrew Form, Brad Fuller
Desde Platinum Dunes y el director Marcus Nispel nos llega una nueva revisión del clásico de terror "Viernes 13". Buscando a su hermana desaparecida, Clay se dirige al espeluznante bosque del legendario Crystal Lake, donde tropieza con los viejos y decrépitos restos de una cabaña que yace detrás de unos árboles cubiertos por denso musgo. Y esto no es lo único que se esconde entre la maleza.
En contra del consejo de la policía y las advertencias de los habitantes de la zona, Clay continúa con su búsqueda, ayudado por una joven mujer que ha conocido entre un grupo de jóvenes estudiantes preparados para pasar un emocionante fin de semana. Sin embargo, ellos están a punto de encontrar algo más que no habían tenido en cuenta. Lo que menos se imaginan es que han entrado en el dominio de uno de los más terríficos espectros de la historia del cine americano: el infame asesino que caza en Crystal Lake armado con una sierra eléctrica... Jason Voorhees.